摄影与抽象之间的关系可以追溯到这门艺术形式的黎明时期。早期的蓝印法、Man Ray的“光线摄影”、László Moholy-Nagy的光影照片、Aaron Siskind的微距摄影，以及无数其他作品都是非常有名的例子。如今，抽象摄影的趋势在全球范围内持续发展；影像创作者们正在创作结合了各种工艺和色彩运用的作品，常常融合了我们从绘画中期待的美学特点。
在这个图片可以随处拍摄和分享的世界里,这些艺术家开始接受摄影更复杂的方面,这是可以理解的——这些方面不适合仅存在于手机里。相反,这些图像需要大量的过程,无论是物理还是概念上的层层叠加,以及复杂性。在这里,我们来看看一些激动人心的当代摄影师,他们使用这种媒介进行抽象创作,拥抱自然世界、建筑等各个领域。
Liz Nielsen
美国艺术家Liz Nielsen的作品乍看之下令人联想到海玻璃和宝石,具有来自自然和抽象形状的大胆的宝石色调。Nielsen自己称其为光的绘画,称自己为“一位以光作为媒介的摄影师”。她的图像实际上不是用相机拍摄的,而是“在模拟彩色暗房中暴露光敏纸,并通过传统的彩色化学方法加工”,她写道。
她追随Man Ray、Moholy-Nagy等人的脚步,通过大胆的色彩实验给摄影纸打印带来了新视角。对于底片,她制作明胶叠加,然后将其投影到负的色素纸上——她精彩的调色板就是从这里来的,当颜色在冲洗过程中被反转时。她对物理、色彩理论、哲学及光进出暗房的运动都很好奇并受到启发,这些视觉诠释都呈现在她的作品中。
Bryan Graf
美国艺术家Bryan Graf在缅因州和新泽西州的环境中穿行，创作出自然和空间的摄影操控作品，以探讨优雅与破坏的双重主题。在他的图像中有叶子和光的投影、屏幕和光影照片，这一切都引发了关于地点及其意义的问题。
有时，他通过有意暴露底片来创作图像；其他时候则通过数字操控；有时也会同时运用两种方式。这既是对经典另类摄影工艺的探索，也是对新事物的拥抱。Graf曾表示，在所有这些中，“地点体验、它对我们的情感影响，以及影响风景呈现的联想性解读之间的积极张力，推动着我的创作。”他对环境的思考也作为生长的隐喻，既字面上的生长，也是比喻性的成长。他认为，他的创作实践是“对现实多重性的光学研究”。
Niko Luoma
芬兰出生的艺术家Niko Luoma在他的职业生涯中一直在尝试摄影的许多另类工艺，无论是多重曝光、光线操控、拼贴还是其他方法。与此同时，他既对摄影历史进行探讨，又向摄影历史致敬。
例如，在他的摄影系列《适应》中，他用自己的实验风格重新演绎了艺术史上的经典作品。在他的作品中，马塞尔·杜尚的《下楼梯的裸女》（1912年），变成了一个色彩斑斓的几何庆典图像；大卫·霍克尼的《彼得爬出尼克的游泳》（1966年），则变成了一个抽象的形状和颜色的拼贴，呼应着原作。
Luoma最近的系列作品《当下的幻觉》使用了单张底片捕捉到的多重曝光的彩色光线，这些光线交织在一起，但故意没有明确的起点和终点。他写道：“没有一种方式可以对这些图片有一个固定的感知，因为它们可以从任何地方开始，没有终点。这些是基于系统的实验，底片成为了其自身实现的记录。”
Christine Wilkinson
“一切都始于一张照片或照片的碎片——可能是汽车的前灯，或是阳光透过窗户射入，”英国艺术家Christine Wilkinson在她的作品中写道。然后，她对图像进行数字化操控，使其模糊，“将图像简化为随机的像素，以用作原材料。”她首先关注的是过程——持续的简化如何创造出一种新的形式。
每张图像都经历了多种操控和媒介，无论是扫描仪、数码相机、摄影软件，甚至是一支铅笔。即便经过多轮操作，这些作品在抽象和极简主义方面仍然显得引人注目和大胆：大片的色彩和色调变成了引人入胜的、神秘的虚空。她的作品处于绘画与摄影的交汇点上，涉及对形状、光线和色彩的抽象实验。“光变成了形式，”她写道。“形式无实质，只存在为颜色和光的瞬间。”
Pedro Correa
按照他自己的描述，作为一名画家的子女，Pedro Correa在摄影中融入了对印象派的欣赏和灵感。实际上，在他的图像中经常出现绘画般的美学，这些图像有意地没有经过数字化处理。相反，它们纯粹地来自镜头之后，既是决定性的瞬间，又是另一种焦点。
Correa对城市生活特别感兴趣，他在整个作品中寻求找到“从城市景观中散发出来的微妙人类存在”，一度写道，这既是克劳德·莫奈又是李·弗里德兰德。窗户上的划痕、屏幕或雨滴以其独特的方式成为他的镜头的一部分，在画布上成为一种笔触。
作为摄影师，捕捉瞬间对Correa来说同样重要，与其所表达的情感一样，这种质量让他想起了印象派画家。在攻读图像处理博士学位时，Correa学到了，他写道：“通过从图像中去除理性信息，实际上可以减弱大脑活动，增强观众的情感（从而创造出与艺术品更加个人的体验）。”这一理念至今仍然激发着他的创作。
Fabiola Menchelli
墨西哥艺术家Fabiola Menchelli将她的艺术实践专注于摄影抽象领域，不断测试这种媒介的可能性和边界。她写道，这项工作“寻求通过摄影来拓展观察的方式，其故事、过程以及其对现实的引力”。
在最近的系列作品《黑暗运动》中，Menchelli将她的光影摄影作品扩展为雕塑作品，将图像印刷在不锈钢上，然后在暗房中将其弯曲，“将摄影纸折叠并暴露于各种彩色滤光片，有时在显影液中逆转印象，将图像推向极限，”她后来说道。这个系列完全是即兴的，意在偏离关于图像应该是什么的想法，甚至是她自己创作的抽象图像。它保留了她独特的实验性色彩和形式，不断挑战我们关于摄影的理念以及图像在物理、化学、结构上可能变成的前提。
Galina Kurlat
俄罗斯出生的艺术家Galina Kurlat在她的职业生涯中常常借助历史性摄影工艺来创作作品。她的实践有时存在于更具体的肖像世界中，但也拥抱抽象。Kurlat的作品始终与“身份、亲密和不确定性”的概念有关，她解释道，无论是直接记录这些主题还是创造出强烈的不祥迹象。这涵盖了从受损的拍立得照片到湿银板印刷等各种媒介。
在她最近的作品中，一个名为《遗迹》的系列中，Kurlat使用了自己的唾液、乳汁、呼吸或血液，以及传统的摄影化学品，制作抽象的光影照片。她在作品中写道：“女性的形象受到社会压力和物化的冲击，挑战了常规的表现，出现在摄影纸上的是创作的痕迹和表面扰动。”
在梅子、粉色、橙色、桃红色、黄色和白色的阴影中，这个系列延续了她将自己与作品联系起来的承诺，拓展了摄影的边界，沉醉其中的弱点和脆弱性。
Paul Snell
澳大利亚艺术家Paul Snell的作品充满了充沛的色彩，引人注目的色调吸引着观众的目光。但他的作品远不止于鲜艳的色彩。这些作品由图像制作而成，然后通过数字化处理，从而凝聚成颜色和形式，正如Snell所说，它们成为了全新的现实，利用其原始图像创造出完全不同的体验。
对Snell而言，这种体验可以存在于电动的同心圆、像日落一样的流动，或是一个饱和度高的场景。它既涉及连接与分离，又关乎构建与解构。“这项工作探讨了摄影生产模式的转变，以及数据的操控和利用，以创造新的视觉形式，”Snell写道。“通过通过具体颜色关系的研究，以有节奏的重复、配对、叠加、逆转和序列化的方式，我寻求对物理对象的感性理解。”
Teresa K. Morrison
美国艺术家Teresa K. Morrison创作了一系列无镜头的摄影作品，使用蛋清印相法或称为化学图样的光影图像。Morrison利用野外发现的天然物体，如杂草、草药、树叶和蜂蜜，将这些物体浸泡在显影液或定影液中，然后将它们放置在暗房的感光纸上。有趣的是，这些纸张的年龄在30到100年之间，Morrison表示她对其中的异常和意外充满了好奇和兴奋：“我认为这是与纸张的合作，”她说道。
这些主题，如酢浆草、黑麦草、苦莴苣和蒲公英，通常在她的花园里发现。在纸张上，它们呈现出各种深浅不一的色调，这些色调受到纸张的年龄、成分和对过程的反应的影响。“愿我们每个人都能反抗工厂的设定和贬值的忽视，找到未曾想象的目的和表达，”她在新年的Instagram上写道——这是一种具有长期影响的摄影哲学，可以这么说。
Francisco Tavoni
在Francisco Tavoni的作品中，真实与想象之间展开了一场舞蹈，光线与结构、色彩与热量之间交织在一起。这位委内瑞拉出生的艺术家目前居住在澳大利亚，按照他自己的描述，他“将摄影作为一种方式，以共同理解情感的力量”。这是对家园、个体之间、自我内部的情感。
他最终追求的是真实性，在这种探索性的寻找中，他使用人体和织物创作图像，隐藏其身份，以在棉布上打印的彩色成像创造出一个更为团结的人类形象。每张图像都使用另类工艺，“有色的透镜滤光片、带有图案的透明丝绸层和有色的闪光灯，”Tavoni曾说过。
他与作品的关系在一定程度上反映了他过去在时尚行业工作的经历，他在那里开始了解色彩和织物之间的强大关系，以及后来在夜店里跳舞的生活中对光的理解。
Luuk de Haan
荷兰摄影艺术家Luuk de Haan创作了独一无二的作品，确切地说，每一张他的印刷品都只有一张存在，这些作品处于几何和幻想的交汇点上。正如作家Derek Horton所写，de Haan的图像“是它们自己生成的文档，而不是摄影之外世界的记录”。
de Haan的每一张图像都重新探索了模拟摄影的另类工艺和数字操控，同时使用硬件和软件：他用模拟相机拍摄他在屏幕上创建的数字结构。作为作曲家和艺术家，de Haan受到了Ellsworth Kelly等人的影响，当然还有Steve Reich，始终培养着极简主义的精神和存在。由此产生的作品既充满活力又流畅，神秘而复杂，正如作家Vince Aletti曾在《纽约客》杂志中写道的那样，“介于现在和消失之间”。
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